Quels ponts peut-on jeter entre Harare, Dakar et Paris ? Quels dialogues et échanges imaginer entre ces trois villes, leur histoire et leur présent ? C’est à la lumière de ces questions que nora chipaumire a imaginé la Carte Blanche—rebaptisée carte noire—que lui a proposé le Festival d’Automne. La chorégraphe et danseuse basée pendant un temps à New York, entretient des liens singuliers avec chacune de ces métropoles : au Zimbabwe, où elle est née et a fondé nhereraHUB, lieu de travail et de réflexion ouvert aux compagnonnages ; au Sénégal, où elle a longtemps travaillé notamment avec les femmes du village de Toubab Dialaw ; et à Paris où plusieurs de ses œuvres ont été présentées, dont l’image lui inspire un goût pour la conversation, au sens le plus plein du terme. 

Avec cette performance musicale, nora chipaumire revisite et développe—aux côtés de cinq femmes de la communauté Lébou du village de Toubab Dialaw au Sénégal—la partition de sa pièce NOT waiting... créée en 2023 avec la chorégraphe Germaine Acogny.

L’artiste chinois Tianzhuo Chen et le performeur indonésien Siko Setyanto présentent Ocean Cage, une installation performative pensée comme un cri poussé à travers les siècles, entre lutte, rituel et quête de rédemption.

Invitée pour la première fois au Festival d’Automne, Christine Sun Kim est une artiste pluridisciplinaire, qui évolue à la frontière des arts visuels, de la langue des signes et de la musique. S’inspirant de la notation musicale et d’autres systèmes d’information graphique, elle déploie dans l’espace public une exposition où se conjuguent humour et esprit critique, afin de renverser les attentes liées aux dimensions non auditives et politiques du son.

Le PDG d’un grand groupe pétrochimique vit avec sa fille, Ami, dans son bunker de luxe. Doté d’implants neuronaux, il dirige son empire, tandis qu’Ami s’est arrêtée de parler depuis quelques jours. Bunker retrouve ce qui est à la source du poème : la rencontre de la parole et du silence.

Un tapis bleu fait espace commun entre public et interprètes, où deux danseuses s’engagent dans une partition hypnotique, portant le désir, le manque, l’espoir et la perte. La chorégraphe polonaise basée à Berlin Ewa Dziarnowska défend une danse au contact, vivante, qui privilégie la relation à la distance.

Passé le désarroi, le deuil et le down, viennent les cris de ralliement. Après Bless This Mess, les chorégraphes Katerina Andreou et Mélissa Guex scellent leurs retrouvailles dans un duo aux frontières du concert. Au plus près du public, leur énergie libératrice métamorphose la colère en joie collective.

« La beauté s’avère accessoire » est l’une des instructions qui s’affiche au début du 4^e mouvement de la Sonate pour alto solo op. 25 no.1 du compositeur allemand Paul Hindemith (1895-1963). Elle aurait pu être dite par sa compatriote et chorégraphe expressionniste Dore Hoyer (1911-1967), auteure du cycle de danses Afectos Humanos sur lesquels Pol Pi travaille depuis 2014.

Pour sa deuxième semaine à Paris, nora chipaumire donne rendez-vous au public de la carte noire pour une soirée dub qu’elle installe dans un shebeen zimbabwéen—bar informel niché dans des maisons privées, lieu de rassemblement où s’inventent des formes de résistance et d’insurrection face aux pouvoirs politiques. 

Que faire de la dépouille d’un défunt ? Dans Antigone, cette question permettait à Sophocle de montrer les limites du pouvoir politique face au sacré. Dans sa dernière pièce, Alexander Zeldin met en lumière l’atomisation des douleurs, caractéristique de notre époque. 

Comment partager une danse profondément intérieure ? Née d’une pratique méditative, Masse de Myriam Gourfink explore des états de perception et de résonance. Créée à l’origine comme un solo en 2022, la pièce se réinvente aujourd’hui en duo avec France Cartigny, faisant de la relation un nouveau moteur d’écriture.

Dans ce second chapitre, Carolina Bianchi et le collectif Cara de Cavalo s’immergent dans la complexité des pactes masculins dans le monde du théâtre, leurs origines possibles et leurs codes—souvent inscrit dans la violence, où le viol et les violences sexuelles deviennent un langage. 

Un champ brûlé, première partie de la Trilogie de la guerre déploie une réflexion sur la guerre comme héritage culturel, et sur les récits qui la rendent possible. Comment une tradition peut-elle porter et transmettre une violence qui finit par se légitimer elle-même ? Sur scène, en tenue académique, Elina Kulikova et Dima Efremov tentent de conjurer un double traumatisme : celui de chanter en public et de voir leur pays envahir et massacrer son voisin.

La metteuse en scène et dramaturge égyptienne Laila Soliman s’intéresse à ce qui reste et confronte l’intime et le collectif pour travailler à partir de la douleur. Avec Story of…, elle explore les vides laissés par la disparition d’un enfant.

Le metteur en scène Maxime Kurvers poursuit son travail d’anthropologie théâtrale en confrontant l’actrice Yuri Itabashi à l’interdiction qui lui est faite par la tradition d’interpréter Okina, pièce et rituel du théâtre nō. Ou comment, par l’imagination, embrasser ce qui lui est refusé.

À la fois concert et performance où se bousculent voix, gestes et sons, #punk puise dans les années de formation de nora chipaumire au Zimbabwe pour incarner au présent l’énergie et la rébellion du punk. 

Carolina Bianchi livre le dernier chapitre de Cadela Força, qui clôt la trilogie protéiforme et critique explorant le langage, l’histoire de l’art, le théâtre et l’auctorialité dans leurs liens aux violences sexuelles et au patriarcat. Loin de conclure, la dramaturge brésilienne ouvre de nouvelles pistes de réflexion.

À travers des chants folkloriques de la culture russe, Elina Kulikova convoque dans Un endroit perdu, seconde partie de sa trilogie, des siècles d’histoire et une mémoire traversée par la violence. Ce geste vocal devient un espace pour questionner la culpabilité d’appartenir à une nation qui la perpétue. Mais au-delà de la honte, le spectacle interroge l’identité et l’impossibilité de se purifier de sa propre culture : « Je ne ressens pas de honte car je l’incarne ».

La troisième partie de la Trilogie de la guerre prend une dimension plus active et militante. Portée par la musique électronique et inspirée des récits d’activisme de Dima Efremov pour évacuer des prisonnier·es politiques de Russie, Une nuit blanche relie les espaces clandestins de la fête au théâtre, comme lieu de résistance et de refuge. Que permet d’exprimer ou de libérer la musique électronique face à la guerre, à la répression et aux traumatismes qu’elles engendrent ?

Dans une trilogie théâtrale et musicale, Elina Kulikova et Dima Efremov entreprennent de dénoncer la guerre et l’invasion menées par la Russie en Ukraine, faisant de ce geste le point de départ d’une exploration artistique et personnelle. De sa fabrique à ses effets les plus intimes, iels explorent ce que signifie appartenir à un pays en guerre. Nourri de références au répertoire russe—classique, folklorique ou festif—le spectacle esquisse une ode à la résistance et fait de la scène un espace de refuge autant que de confrontation.

Au Panthéon, Bouchra Ouizguen compose la chorégraphie d’un essaim d’enfants, à l’énergie vive. Dans cet espace monumental chargé d’histoire, leurs présences mobiles et sensibles déplacent la mémoire du lieu vers l’intensité d’un présent partagé.

Sous cet intitulé tout sauf paradoxal, Silence se veut un concert de Lucie Antunes chorégraphié par Mathilde Monnier. Le rapport à la musique est le socle de cette création multi-sensorielle. Les corps répondent au rythme comme à un appel. Le silence devient dès lors une partition en mouvement.

Qu’est-ce qui nous définit en tant qu’êtres humains ? Cette question est le point de départ de Lexikon, la dernière création d’El Conde de Torrefiel, qui s’articule autour d’une idée : la parole en tant que flux vital, créateur de mondes, qui tel un courant souterrain ne cesse de se mouvoir et de se transformer.

Une mère et un fils. L’une a effectué, tout au long de sa vie, un enchaînement de métiers de subsistance. L’autre se consacre au théâtre. Ensemble, ils font de la scène un outil pour déplier leurs existences prises au croisement des violences héritées du capitalisme.

En 2025, le Festival d’Automne créait une École du soir pour inventer un espace de transmission alternatif, non académique, qui entend rassembler les publics autour d’une programmation réflexive, où la pratique se conjugue à l’expérience des spectateur·rices. Après une première édition imaginée avec Felwine Sarr, le Festival d’Automne et le Centre Pompidou confient l’École du soir 2026 à Forensic Architecture. Sous la direction d’Eyal Weizman, cette agence d’investigation est composée de chercheur·euses, installée à l’université de Londres Goldsmiths, qui développe des méthodes d’enquête sur les violences d’État, à la croisée de l’art, du droit et du journalisme.

La chanson, le chant, qu’ils soient populaires, dans l’un des derniers quatuors à cordes de Beethoven ou en provenance de Galice, irriguent les trois moments de ce programme. Un chant qui n’appartient pas seulement à la voix, mais auquel réagissent aussi les instruments, de même que les œuvres entre elles, pour magnifier une mémoire collective.

Après Romances inciertos, un autre Orlando, Nina Laisné et François Chaignaud prolongent leur utopie de fusion entre danse et musique à partir de répertoires sud-américains. En compagnie de la chanteuse argentine Nadia Larcher, ils composent un univers cosmogonique, où les voix entrent en résonance avec le souffle des sacqueboutes et les rythmes du zapateo.

Avec Paradis plage, Kenza Berrada imagine un huis clos au cœur de la bourgeoisie marocaine. Corsetés par un code de bienséance, les personnages s’échinent à faire famille, malgré tout.

C’est une ode à la tendresse. Avec les danseur·euses de Dançando com a Diferença, Bouchra Ouizguen compose une danse portée par les singularités. Un monde joyeux et simple—non pas naïf, mais nécessaire—qui existe par l’abandon et par l’attention, tourné vers soi, l’autre et le monde.

Invitée pour la première fois au Festival d’Automne, la chorégraphe originaire de Lisbonne Marga Alfeirão façonne des espaces safe, propices à l’exploration de l’intimité et de la sexualité, à travers la danse et la performance. LOUNGE explore le repos comme une affirmation active de la féminité.

Dans la continuité de son installation The Dead Still Riot présentée en 2025, le metteur en scène thaïlandais Wichaya Artamat convoque, dans une performance hybride et fragmentaire, les fantômes des insurrections passées comme ferment pour celles à venir, imaginant la transmission de la mémoire révolutionnaire à travers les époques et les lieux.

En septembre 2023, Mathis, un écolier de 9 ans près de Charleroi, subit les insultes racistes de ses camarades. En réaction, il entre dans une colère jugée incontrôlable par l’école, qui décide d’appeler la police. À son arrivée, sa mère Rita, découvre son fils plaqué au sol par un agent de police.

Ce deuxième volet du portrait de Cassandra Miller associe Dad Goes to the Mountain, quadriptyque d’un seul tenant, dédié à son père vieillissant et oublieux, aux thèmes de l’enfance et de la mort, miroitant l’arc de nos existences, que tendent Ravel et Kurtág.

En parallèle de l'exposition Attendre ensemble à la Chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière, le Festival d'Automne et le Musée d’Art Moderne de Paris présentent A Fashionable Marriage (1986), œuvre clé des débuts de Lubaina Himid au sein du British Black Arts Movement. Quarante ans après sa création, cette installation demeure emblématique de sa pratique en raison de l’articulation précise entre relecture de l’histoire de l’art—ici, la tradition satirique anglaise à la William Hogarth dont les personnages de l’œuvre sont inspirés—et commentaire contemporain sur l’état de la société britannique.

Dans la tragédie de nos vies, nous ne connaissons la fin que trop bien. Ce que nous ignorons, c’est la manière dont elle advient. Sébastien Kheroufi présentera l’épilogue de sa prochaine création, La mort du Môme, trois semaines avant la première. Cette performance, Les enfants de la patrie, est une manière d’abandonner le suspense. Ce qui l’intéresse n’est pas de mettre en scène le spectaculaire d’une vie tragique, mais d’interroger les rouages de la misère. 

La pratique plurielle de Christine Sun Kim explore la manière dont le son et le langage fonctionnent dans la société. Travaillant entre texte écrit, systèmes de notation visuelle, langue des signes américaine (ASL) et vidéo, elle déconstruit les hiérarchies sociales du son et de la parole.

Bouchra Ouizguen travaille au seuil : là où le corps s’ouvre à ce qui apparaît. Le mouvement, traversé de traces et de réminiscences, se mêle aux chants, aux musiques et aux silences. Seule sur scène, la chorégraphe cherche un espace de liberté, où l’effacement serait une forme de présence.

L’art sonore de Lolo & Sosaku trouble les limites des disciplines artistiques et du temps, s’immisce dans leurs marges, donne vie à l’objet a priori inanimé et le révèle : machines, métaux soudés, câbles, circuits et autres matériaux industriels abandonnés. Chacune de leurs performances ouvre un espace où l’invisible prend corps, comme dans un rituel.

Josué Mugisha imagine des artistes interrompre la représentation en cours pour réclamer « le sens ». En l’absence de l’auteur, ils s’adressent au public par la danse, par la poésie, par l’imaginaire. Dans le contexte politique du Burundi, où la parole est muselée et le « tambourinaire » censuré, le chorégraphe et metteur en scène crée, après La première danse politique, une seconde, comme métaphore pour « tuer le tambour », symbole du pouvoir. Sous une pluie d’images poétiques, les interprètes sabotent la représentation pour en faire un terrain d’insubordination.

Yassmine Benchrifa explore les transitions qui jalonnent une vie et les transformations qui façonnent une identité. L’artiste marocaine découvre le hip-hop à 12 ans, captivée par l’expressivité et l’énergie brute de cette culture urbaine. Plus tard, elle intègre Nafass, la première école de danse contemporaine du Maroc. Ce premier solo, lauréat du concours Taklif à Marrakech, s’inspire de son parcours. Dans une écriture sensible et instinctive, elle donne à voir les états successifs d’un corps pris dans le flux continu d’une vie, où tout est transition.

Dans The Chairs de Jaber Ramezan, les interprètes évoluent au sein d’une architecture instable de chaises, sans jamais toucher le sol. Chaque mouvement est une négociation avec les corps et les chaises, avec la gravité. À travers une attention mutuelle extrême, l’équilibre devient une pratique de soin. Après Boundaries of Bodies, l’artiste iranien poursuit le travail mené depuis quinze ans, à la croisée du théâtre, de la danse et du cinéma.

Avec Faust, Romeo Castellucci s’attaque à nouveau à l’un des mythes fondateurs de notre culture occidentale. À travers celui-ci, le metteur en scène italien se fait architecte du chaos pour mieux embrasser toutes les contradictions de notre monde contemporain.

Los Inescalables Alpes, buscando a Currito (« Les Alpes inescaladables, à la recherche de Currito ») est animé par le désir brûlant de revoir une personne. Le titre et la danse suggèrent un effort infini : celui de surmonter l’insurmontable. La chorégraphe andalouse María del Mar Suárez, aussi connue comme La Chachi, invente un flamenco hybride et profondément personnel, qui respecte et déconstruit la tradition tout en introduisant des éléments de krump et une sensibilité punk.

Trois ans après le succès des Historiennes, Jeanne Balibar revient avec En Sicile, qu’elle met en scène et interprète. Si cette traversée prend d’abord des airs d’idylle, elle s’avère le constat d’un désastre, un thrène ou une élégie pour notre monde qui nous place face à une urgence : comment à la fois s’abandonner et résister au présent ?

Depuis 2013, Radio Live donne la parole à une jeunesse mondiale aux prises avec les conflits de l’Histoire qui s’écrit. Le jour d’après poursuit un nouveau cycle initié en 2024, dans lequel Aurélie Charon et son collectif explorent la possible reconstruction des villes et des dialogues, cette fois-ci en voyageant à Kiyv et au Caire.

Lier la musique indissolublement à la vie, la mesurer à l’aune de ses médias, en attiser les artifices tel un magicien en quête d’action immédiate : Simon Steen-Andersen et son interprète Michael Schmid s’inscrivent dans les pas d’une œuvre majeure de la modernité.

Après une série de pièces de groupe et d’événements collectifs, Boris Charmatz explore pour la première fois avec SOMNOLE (2021) la forme minimale du solo pour une chorégraphie mentale et épurée, seulement accompagnée d’un filet de souffle : une danse sifflée qui transporte mélodies familières et concrétions de gestes en sommeil.

Un pique-nique, des disparitions, un mystère ouvert et jamais résolu : le duo italien de DOM- propulse le spectateur dans l’ambiance vaporeuse de Picnic at Hanging Rock de Peter Weir, réactualisant pour le présent sa critique de la bourgeoisie coloniale australienne.

Depuis 2013, Radio Live donne la parole à une jeunesse mondiale aux prises avec les conflits de l’Histoire qui s’écrit. Le jour d’après poursuit un nouveau cycle initié en 2024, dans lequel Aurélie Charon et son collectif explorent la possible reconstruction des villes et des dialogues, cette fois-ci en voyageant à Kiyv et au Caire.

Signant le retour du Festival d’Automne à la Chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière, Lubaina Himid propose, en collaboration avec Magda Stawarska, une installation inédite à l’échelle du bâtiment. Réunissant peintures, son, textiles et gravures, son projet relie grande histoire et destins individuels autour du thème universel de l’attente.

Maître dans l’art du collage et du montage pluridisciplinaire, The Wooster Group, fondé et dirigé par Elizabeth LeCompte, fait régulièrement partie des invité·es du Festival d’Automne depuis 1999. Toujours à la pointe des innovations techniques scéniques, la metteuse en scène étasunienne s’est imposée comme une figure majeure de l’avant-garde, notamment dans le réexamen des textes classiques. 

Depuis le réfectoire d’un foyer Emmaüs, là où il a retrouvé son père mort à 17 ans, Sébastien Kheroufi remonte le fil d’une histoire intime et sociale. Entre mémoire familiale, héritage et identité fragmentée, La mort du Môme interroge ce que la société prend et ce que les vivants laissent derrière eux.

Get Your Ass in the Water and Swim Like Me— du Wooster Group avec Eric Berryman, mis en scène par Kate Valk—célèbre la tradition orale afro-américaine des toasts.

En amont de sa création en 2027, Back to Back Theatre invite le public à découvrir des étapes de travail de NEANDERTHAL—Histoire(s) du théâtre VIII au cœur même de ses répétitions, ambitieuse nouvelle pièce qui interroge les thèmes de l’extinction et de la cognition.

Après SOMNOLE—solo sifflé, suspendu au bord des lèvres présenté au Festival d’Automne en 2021, Boris Charmatz poursuit son travail à la lisière du souffle, creusant le sillon d’une danse au silence habité. Avec Muette, son corps cherche à exprimer ce que la langue ne peut pas dire, laissant affluer à la surface du visage et de la peau un flux d’affects reflétant les heurts du dehors.

La chorégraphe et danseuse danoise Mette Ingvartsen et le batteur et percussionniste australien Will Guthrie ont suivi pendant plusieurs années leurs recherches respectives, tout en collaborant à distance. All Around, créée au Festival d’Automne en 2020, constitue leur première pièce commune sur scène.

En s’emparant d’un fait divers extraordinaire qui débute avec l’apparition d’un homme amnésique sur une plage, Marcus Lindeen et Marianne Ségol poursuivent la fabrique de leur théâtre documentaire. Avec précision et philosophie, il et elle interrogent ces paroles qui échafaudent des récits.

Filmé grâce à un dispositif circulaire, RADIAL propose un portrait de groupe en mouvement, attentif autant au collectif qu’aux individualités qui le composent. Cette création in situ célèbre et réunit des communautés artistiques parisiennes et franciliennes.

Puisque la tendresse accepte autant de définitions qu’il y a d’expériences personnelles, deux performeurs-chorégraphes et un performeur-musicien invitent à une recherche collective et expérimentale autour de ce mot d’ordre anti-autoritaire, transformant à la fois les manières d’être ensemble que les formes de la représentation elle-même.

Vocaliste, artiste du mouvement et compositrice britannique d’origine afro-caribéenne, Elaine Mitchener manifeste par sa présence, sa voix et ses gestes intenses, les traces anciennes et actuelles de la discrimination et les blessures coloniales, résolument à vif.

Fable drôle et émouvante, GANESH VERSUS THE THIRD REICH entrelace deux récits pour questionner la perception du théâtre et du handicap. Le dieu à tête d’éléphant y traverse l’Allemagne nazie, tandis que les comédien·nes eux-mêmes s’interrogent sur la pertinence de raconter cette histoire. 

Compositrice et vocaliste irlandaise, Jennifer Walshe scrute l’au-delà de l’humain et du biologique, vers l’objet et la technologie, le virtuel et l’intelligence artificielle. Vers l’automatique qui éveille une nouvelle agentivité et remodèle nos sensations et nos sentiments, le corps et la pensée.

Qui est Gustavia ? Qui est cette femme si intrigante ? Cette femme qui, dans un même mouvement, se montre et se cache ? Cette femme dont le corps n’est fait que de mystère(s) ? Est-elle au bord de la crise de larmes ou de la crise de fou rire ? Combien de visages peut-elle prendre ? Et combien de postures adopter ?

La chorégraphe anglo-étasunienne Ruth Childs et l’artiste plasticienne française Cécile Bouffard s’intéressent à nos lubies, à la mémoire corporelle et aux survivances des folklores dans le monde contemporain. À la fois installation et performance pour trois danseuses, Such a Devoted Bunch interroge, à travers les gestes et les objets, les mécanismes de dévotion et d’obsession.

Deux ans après L’œil nu, la chorégraphe Maud Blandel revient au Festival d’Automne avec Same Old Songs, une pièce inspirée de Virginia Woolf. Entre hallucination rythmique et trio instable, elle prolonge un geste pacifiste refusant la fatalité guerrière, et cherche par le corps et le son, d’autres futurs possibles.

Temporary Title, 2026 est une œuvre réalisée pour une salle d’exposition dans laquelle les spectateur·ices entrent et sortent à leur gré décidant de la durée de leur visite. Les interprètes de l’œuvre y incarnent et incorporent une succession de métamorphoses transformant à la fois leur présence et l’espace, pour créer diverses façons d’être ensemble. 

Entre solos, duos et trios, collage, mobile et sculpture sonore, Chroma dissémine des ensembles instrumentaux, des platines et des dizaines de boîtes à musique dans l’espace. Les auditeur·rices sont invité·es à se déplacer parmi ces îlots, vivants ou mécaniques, aux perspectives illimitées, tandis que le Grand Palais façonne l’œuvre en retour et la rend unique.

Originaire de Buenos Aires, la chorégraphe et interprète Diana Szeinblum puise dans les danses folkloriques argentines pour mieux les déconstruire. Pièce à la fois introspective et performative, ADENTRO! sonde précisément l’intérieur des corporéités façonnées par les gestes et les imaginaires populaires.

People Will People You explore la manière dont l’identité se construit, se projette et se fragilise sous le regard social. En revisitant les images spectaculaires qui ont façonné sa figure publique, Steven Cohen interroge la puissance normative du regard et la fabrication des rôles auxquels chacun·e peut être assigné·e.

Le Ballet de l’Opéra de Lyon réunit deux chorégraphes du mouvement répétitif : Lucinda Childs, avec Dance, œuvre iconique créée en 1979, et Alessandro Sciarroni, lauréat du Lion d’or de la Biennale de Venise, qui présente HØPE, nouvelle œuvre inspirée d’une danse pratiquée dans la culture cowboy.

Ceux qui dansent se mêlent à celles qui chantent. La musicalité traverse les corps, portés par un même état vibratoire. Un peu pour mon cœur… est un rite de communion, prolongeant l’exploration des résonances entre chant, danse et musique par Dalila Belaza.

Il serait une fois en Seine-Saint-Denis, une grosse communauté résistant aux violences d’un monde qui se termine. Rébecca Chaillon rassemble sur scène un clan d’interprètes qui, en alliant leurs forces à des techniques de survie venues de la marge et leurs croyances synthétiques, créent de nouvelles mythologies à leurs images : étranges, plurielles, dangereuses.

Vaste dispositif de cinquante pianos droits décrivant un grand cercle, outre un ensemble de vingt-cinq musicien·nes qui leur sont adossé·es, et avec le public, au centre, 11 000 Saiten (11 000 Cordes) est une fresque fascinante. Georg Friedrich Haas nous invite à nous laisser saisir, envelopper, par une palette presque infinie, tel un miroir sonore de l’univers entier.

Le metteur en scène Jonathan Capdevielle adapte Dialogue en public de Pier Paolo Pasolini, dans le cadre singulier des Talents Adami Théâtre. En réunissant huit jeunes interprètes dans un temps de création condensé, il imagine une forme hybride pour donner corps à ce qui fait société en des temps troublés.

Comment faire surgir des mémoires enfouies dans les corps d’aujourd’hui ? Avec Flaming Creatures, Latifa Laâbissi et Walid Ben Selim explorent un territoire intime commun, entre danse et musique, où des chants venus du Maroc traversent le présent et réactivent des imaginaires puissants et indociles.

Cinq œuvres, acquises à l’histoire ou récentes, pour entrer dans le son et des textures illusoirement immobiles et continues, et pour ressentir intimement les riches vibrations et fissions sous la surface monochrome. Dans l’église Saint-Eustache, orgue, ensemble et électronique donnent vie à des maillages, des dissolutions et des mouvements secrets.

À la fois thriller urbain, satire sociale et méditation voyeuriste, small metal objects plonge ses interprètes dans le mouvement perpétuel qui anime un espace public. Au cœur de la foule, la pièce capte toute l’intensité d’un drame personnel.

Comment penser la création depuis nos affects ? Depuis 2020, Fanny de Chaillé et ses interprètes prennent le virage d’un langage sensible, qui ne craint ni l’amour, ni la peur, ni les larmes, et où la musique devient un espace d’écoute et de résonance, réaffirmant sa place essentielle dans l’écriture théâtrale.

Avec The Sea is History, Betty Tchomanga poursuit son travail autour des mémoires de la diaspora africaine. Après des siècles de violence, comment écrire sa propre histoire ? Après une telle dépossession, comment retrouver corps ?

L’artiste pluridisciplinaire, plasticien et photographe mondialement reconnu, Hiroshi Sugimoto poursuit son travail sur les grandes traditions japonaises en revenant au théâtre Nō. Noh Climax, qui se concentre sur les points culminants de six pièces du répertoire, promet de bouleverser nos repères spatio-temporels.

Mise en musique par le trio australien The Necks, FOOD COURT précipite une femme dans l’horreur banale d’une humiliation au cœur de l’espace public. Portée par trois comédiennes en situation de handicap mental, la pièce en devient une expérience intense et déroutante.

Comment mettre en mouvement les corps d’une centaine de jeunes danseurs et danseuses ? Pour relever le défi de cette transmission hors-norme, Boris Charmatz chorégraphie une nuée physique et vocale traversant des moments saillants de son œuvre.

Après leur performance à la Gaîté Lyrique, Lolo & Sosaku occupent Les Chaudronneries, un édifice industriel investi en 2024 pour l’ouverture du Festival d’Automne. Transcendant leur état, les matériaux de l’installation dévoilent le lieu et l’habitent d’une présence.

Sphere / Kurah est une installation dans laquelle corps, voix et gestes s’interpénètrent. À travers écrans, projections et surfaces translucides, les images se détachent du corps pour devenir traces, lumières, scintillements. Dans ce passage de la présence vers la fragilité, l’œuvre s’attache aux formes de la survivance.

Le duo Basel Abbas et Ruanne Abou-Rahme a étudié les chants et poèmes de palestinien·nes incarcéré·es dans les prisons israéliennes de 1948 à nos jours, érigeant la poésie en acte de résistance face à l’enfermement. Prisoners of Love : Until the Sun of Freedom s’inscrit dans un projet évolutif, mêlant installation multimédia et performance.

La compagnie espagnole El Conde de Torrefiel investit la bibliothèque du 7L, ancien studio photo de Karl Lagerfeld, pour y présenter une création in situ : la mise en espace d’un matériau textuel, visuel et sonore conçu comme une étude scénique pour une pièce à venir.

Concilier deux univers des plus singuliers, entrer dans les vibrations hypnotiques du son, se laisser absorber, corps et esprit, par sa prégnance, découvrir tout autrement des instruments séculaires que l’on croyait connaître et les écouter chanter, par le souffle ou sous l’effet du mouvement circulaire d’une baguette, tels sont les enjeux de ce concert.

Dans GLA55, Anne Teresa De Keersmaeker revient à la musique minimaliste étasunienne et aborde pour la première fois l’œuvre de Philip Glass. Sur quatre pièces de jeunesse du compositeur, interprétées en direct par l’ensemble ICTUS, six danseur·euses emmènent l’abstraction jusqu’aux confins de la transe.

Au XIXe siècle, un mystérieux manuscrit est retrouvé dans la campagne anglaise. Journal intime entremêlé de poèmes, il est tout ce qui reste d’Ester, disparue d’avoir tant aimé. Créée dans l’ombre de ce récit, El corazón de Ester (Le cœur d’Ester) est la confession d’un amour et de l’épuisement qu’il engendre.

L’évidence, la joie simple, la transmission orale, le temps en suspens de la berceuse ou d’une surface lacustre, l’épure, comme pour atteindre une origine voilée ou incertaine, et l’amitié fertile avec le Quatuor Bozzini, interprète privilégié de Cassandra Miller, de Sarah Davachi et d’Éliane Radigue, récemment disparue, unissent les trois œuvres, sereines, de ce concert.

En clôture de sa Carte Blanche et de l’édition 2026, nora chipaumire investit la Fondation Cartier pour l’art contemporain et présente gadzi—a Paris chapter, une ultime création pour prendre la lenteur nécessaire où l’œuvre ne s’installe pas dans un lieu, mais le traverse et le reconfigure.

L’architecte et plasticien Feda Wardak plonge dans l’épaisseur des luttes afghanes avec une installation spectaculaire, investie par les danseur·euses du chorégraphe Saïdo Lehlouh et la création sonore de Deena Abdelwahed.

Cher·es spectateur·rices,

Je m’appelle Jérôme Bel, je suis un artiste qui a opéré dans le champ chorégraphique entre les années 1994 et 2026. Ayant bénéficié de l’argent public pour mon travail, j’ai estimé qu’il serait juste de rendre, à tou·tes mes concitoyen·nes et au-delà, quelques-uns des spectacles créés dans une liberté artistique totale.

J’ai ainsi imaginé une dernière œuvre intitulée Jérôme Bel 1994-2026. Elle a été réalisée avec le Centre national de la danse et le Centre Pompidou, et fait désormais partie de leurs collections permanentes.