Invitée pour la première fois au Festival d’Automne, Christine Sun Kim est une artiste pluridisciplinaire, qui évolue à la frontière des arts visuels, de la langue des signes et de la musique. S’inspirant de la notation musicale et d’autres systèmes d’information graphique, elle déploie dans l’espace public une exposition où se conjuguent humour et esprit critique, afin de renverser les attentes liées aux dimensions non auditives et politiques du son.

En parallèle de l'exposition Attendre ensemble à la Chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière, le Festival d'Automne et le Musée d’Art Moderne de Paris présentent A Fashionable Marriage (1986), œuvre clé des débuts de Lubaina Himid au sein du British Black Arts Movement. Quarante ans après sa création, cette installation demeure emblématique de sa pratique en raison de l’articulation précise entre relecture de l’histoire de l’art—ici, la tradition satirique anglaise à la William Hogarth dont les personnages de l’œuvre sont inspirés—et commentaire contemporain sur l’état de la société britannique.

Se faisant guide de sa propre exposition, Walid Raad est de retour au Festival d’Automne et nous promène de Beyrouth à Tunis et des montagnes libanaises à Ljubljana. Entre cratères de missiles et trous de mémoire, on abandonne peu à peu la tentation de distinguer ce qui est créé de ce qui est trouvé, pour s’intéresser à ce que l’art et l’histoire font aux images.

Avec Faust. Fait, non dit., Romeo Castellucci s’attaque à nouveau à l’un des mythes fondateurs de notre culture occidentale. À travers celui-ci, le metteur en scène italien se fait architecte du chaos pour mieux embrasser toutes les contradictions de notre monde contemporain.

Los Inescalables Alpes, buscando a Currito (« Les Alpes inescaladables, à la recherche de Currito ») est animé par le désir brûlant de revoir une personne. Le titre et la danse suggèrent un effort infini : celui de surmonter l’insurmontable. La chorégraphe andalouse María del Mar Suárez, aussi connue comme La Chachi, invente un flamenco hybride et profondément personnel, qui respecte et déconstruit la tradition tout en introduisant des éléments de krump et une sensibilité punk.

Depuis 2013, Radio Live donne la parole à une jeunesse mondiale aux prises avec les conflits de l’Histoire qui s’écrit. Le jour d’après poursuit un nouveau cycle initié en 2024, dans lequel Aurélie Charon et son collectif explorent la possible reconstruction des villes et des dialogues, cette fois-ci en voyageant à Kiyv et au Caire.

Trois ans après le succès des Historiennes, Jeanne Balibar revient avec En Sicile, qu’elle met en scène et interprète. Si cette traversée prend d’abord des airs d’idylle, elle s’avère le constat d’un désastre, un thrène ou une élégie pour notre monde qui nous place face à une urgence : comment à la fois s’abandonner et résister au présent ?

Des disparitions, un mystère ouvert et jamais résolu : le duo italien de DOM- propulse le public dans l’ambiance vaporeuse de Picnic at Hanging Rock de Peter Weir, réactualisant pour le présent sa critique de la bourgeoisie coloniale australienne.

Après une série de pièces de groupe et d’événements collectifs, Boris Charmatz explore pour la première fois avec SOMNOLE (2021) la forme minimale du solo pour une chorégraphie mentale et épurée, seulement accompagnée d’un filet de souffle : une danse sifflée qui transporte mélodies familières et concrétions de gestes en sommeil.

Un siècle après l’Ursonate, Simon Steen-Andersen remonte la piste de Kurt Schwitters et de son plus fervent interprète, Michael Schmid. Entre enquête documentaire, performance et fiction, il compose un portrait croisé où le temps, la mémoire et la voix se répondent.

Signant le retour du Festival d’Automne à la Chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière, Lubaina Himid propose, en collaboration avec Magda Stawarska, une installation inédite à l’échelle du bâtiment. Réunissant peintures, son, textiles et gravures, son projet relie grande histoire et destins individuels autour du thème universel de l’attente.

En parallèle de l’exposition Attendre ensemble, le Festival d’Automne présente à la Chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière une rétrospective des affiches, programmes et supports graphiques réalisés depuis sa création en 1972 par les artistes visuel·les associé·es. 

Maître dans l’art du collage et du montage pluridisciplinaire, The Wooster Group, fondé et dirigé par Elizabeth LeCompte, fait régulièrement partie des invité·es du Festival d’Automne depuis 1999. Toujours à la pointe des innovations techniques scéniques, la metteuse en scène étasunienne s’est imposée comme une figure majeure de l’avant-garde, notamment dans le réexamen des textes classiques. 

Depuis 2013, Radio Live donne la parole à une jeunesse mondiale aux prises avec les conflits de l’Histoire qui s’écrit. Le jour d’après poursuit un nouveau cycle initié en 2024, dans lequel Aurélie Charon et son collectif explorent la possible reconstruction des villes et des dialogues, cette fois-ci en voyageant à Kiyv et au Caire.

Depuis le réfectoire d’un foyer Emmaüs, là où il a retrouvé son père mort à 17 ans, Sébastien Kheroufi remonte le fil d’une histoire intime et sociale. Entre mémoire familiale, héritage et identité fragmentée, La mort du Môme interroge ce que la société prend et ce que les vivants laissent derrière eux.

Get Your Ass in the Water and Swim Like Me— du Wooster Group avec Eric Berryman, mis en scène par Kate Valk—célèbre la tradition orale afro-américaine des toasts.

En amont de sa création en 2027, Back to Back Theatre invite le public à découvrir des étapes de travail de NEANDERTHAL—Histoire(s) du théâtre VIII au cœur même de ses répétitions, ambitieuse nouvelle pièce qui interroge les thèmes de l’extinction et de la cognition.

Après SOMNOLE—solo sifflé, suspendu au bord des lèvres présenté au Festival d’Automne en 2021, Boris Charmatz poursuit son travail à la lisière du souffle, creusant le sillon d’une danse au silence habité. Avec Muette, son corps cherche à exprimer ce que la langue ne peut pas dire, laissant affluer à la surface du visage et de la peau un flux d’affects reflétant les heurts du dehors.

En s’emparant d’un fait divers extraordinaire qui débute avec l’apparition d’un homme amnésique sur une plage, Marcus Lindeen et Marianne Ségol poursuivent la fabrique de leur théâtre documentaire. Avec précision et philosophie, il et elle interrogent ces paroles qui échafaudent des récits.

La chorégraphe et danseuse danoise Mette Ingvartsen et le batteur et percussionniste australien Will Guthrie ont suivi pendant plusieurs années leurs recherches respectives, tout en collaborant à distance. All Around, créée au Festival d’Automne en 2020, constitue leur première pièce commune sur scène.

Avec Agincourt, Back to Back Theatre investit le cinéma pour revisiter, avec humour et une inventivité désarmante, l'une des batailles les plus célèbres de l'histoire. Une épopée de carton où la fiction révèle les mécanismes du pouvoir, de la guerre et de leurs récits.

Puisque la tendresse accepte autant de définitions qu’il y a d’expériences personnelles, deux performeurs-chorégraphes et un performeur-musicien invitent à une recherche collective et expérimentale autour de ce mot d’ordre anti-autoritaire, transformant à la fois les manières d’être ensemble que les formes de la représentation elle-même.

Sous cet intitulé tout sauf paradoxal, Silence se veut un concert de Lucie Antunes chorégraphié par Mathilde Monnier. Le rapport à la musique est le socle de cette création multi-sensorielle. Les corps répondent au rythme comme à un appel. Le silence devient dès lors une partition en mouvement.

Vocaliste, artiste du mouvement et compositrice britannique d’origine afro-caribéenne, Elaine Mitchener manifeste par sa présence, sa voix et ses gestes intenses, les traces anciennes et actuelles de la discrimination et les blessures coloniales, résolument à vif.

Fable drôle et émouvante, GANESH VERSUS THE THIRD REICH entrelace deux récits pour questionner la perception du théâtre et du handicap. Le dieu à tête d’éléphant y traverse l’Allemagne nazie, tandis que les comédien·nes eux-mêmes s’interrogent sur la pertinence de raconter cette histoire. 

Compositrice et vocaliste irlandaise, Jennifer Walshe scrute l’au-delà de l’humain et du biologique, vers l’objet et la technologie, le virtuel et l’intelligence artificielle. Vers l’automatique qui éveille une nouvelle agentivité et remodèle nos sensations et nos sentiments, le corps et la pensée.

Qui est Gustavia ? Qui est cette femme si intrigante ? Cette femme qui, dans un même mouvement, se montre et se cache ? Cette femme dont le corps n’est fait que de mystère(s) ? Est-elle au bord de la crise de larmes ou de la crise de fou rire ? Combien de visages peut-elle prendre ? Et combien de postures adopter ?

La chorégraphe anglo-étasunienne Ruth Childs et l’artiste plasticienne française Cécile Bouffard s’intéressent à nos lubies, à la mémoire corporelle et aux survivances des folklores dans le monde contemporain. À la fois installation et performance pour trois danseuses, Such a Devoted Bunch interroge, à travers les gestes et les objets, les mécanismes de dévotion et d’obsession.

Temporary Title, 2026 est une œuvre réalisée pour une salle d’exposition dans laquelle les spectateur·ices entrent et sortent à leur gré décidant de la durée de leur visite. Les interprètes de l’œuvre y incarnent et incorporent une succession de métamorphoses transformant à la fois leur présence et l’espace, pour créer diverses façons d’être ensemble. 

Deux ans après L’œil nu, la chorégraphe Maud Blandel revient au Festival d’Automne avec Same Old Songs, une pièce inspirée de Virginia Woolf. Entre hallucination rythmique et trio instable, elle prolonge un geste pacifiste refusant la fatalité guerrière, et cherche par le corps et le son, d’autres futurs possibles.

Entre solos, duos et trios, collage, mobile et sculpture sonore, Chroma dissémine des ensembles instrumentaux, des platines et des dizaines de boîtes à musique dans l’espace. Les auditeur·rices sont invité·es à se déplacer parmi ces îlots, vivants ou mécaniques, aux perspectives illimitées, tandis que le Grand Palais façonne l’œuvre en retour et la rend unique.

En 2025, le Festival d’Automne et le Centre Pompidou créaient une École du soir pour inventer un espace de transmission alternatif, non académique, qui entend rassembler les publics autour d’une programmation réflexive, où la pratique se conjugue à l’expérience des spectateur·rices. Après une première édition imaginée avec Felwine Sarr, le Festival d’Automne confie l’École du soir 2026 à Forensic Architecture. Sous la direction d’Eyal Weizman, cette agence d’investigation est composée de chercheur·euses, installée à l’université de Londres Goldsmiths, qui développe des méthodes d’enquête sur les violences d’État, à la croisée de l’art, du droit et du journalisme.

Forensic Architecture aborde l'architecture à la fois comme un domaine de connaissance et comme un mode d'interprétation, qui ne se préoccupe pas seulement des bâtiments, mais plutôt d’un ensemble en constante évolution de relations entre les personnes et les choses, médiatisées par des espaces et des structures à des échelles multiples : du corps humain au changement climatique induit par l’homme, de l’échelle d’un simple logement à celle de territoires plus vastes, jusqu’à l’échelle de la Terre en tant que demeure ultime — dont nous avons peu à peu pris conscience qu’elle est en train de devenir à la fois un chantier et une ruine. Les bâtiments ne sont ni des éléments passifs, ni des capteurs réceptifs qui enregistrent des événements, ni uniquement des scènes de crime ou d’actes de violence ; au contraire, les environnements bâtis sont des assemblages composites de structures, d’espaces, d’infrastructures, de services et de technologies capables d’agir et d’interagir avec leur environnement, de partager des événements et d’être façonnés par eux. Ils structurent et conditionnent l’action humaine, ils façonnent activement les incidents et les événements.

People Will People You explore la manière dont l’identité se construit, se projette et se fragilise sous le regard social. En revisitant les images spectaculaires qui ont façonné sa figure publique, Steven Cohen interroge la puissance normative du regard et la fabrication des rôles auxquels chacun·e peut être assigné·e.

Originaire de Buenos Aires, la chorégraphe et interprète Diana Szeinblum puise dans les danses folkloriques argentines pour mieux les déconstruire. Pièce à la fois introspective et performative, ADENTRO! sonde précisément l’intérieur des corporéités façonnées par les gestes et les imaginaires populaires.

Filmé grâce à un dispositif circulaire, RADIAL propose un portrait de groupe en mouvement, attentif autant au collectif qu’aux individualités qui le composent. Cette création in situ célèbre et réunit des communautés artistiques parisiennes et franciliennes.

Ceux qui dansent se mêlent à celles qui chantent. La musicalité traverse les corps, portés par un même état vibratoire. Un peu pour mon cœur… est un rite de communion, prolongeant l’exploration des résonances entre chant, danse et musique par Dalila Belaza.

Le Ballet de l’Opéra de Lyon réunit deux chorégraphes du mouvement répétitif : Lucinda Childs, avec Dance, œuvre iconique créée en 1979, et Alessandro Sciarroni, lauréat du Lion d’or de la Biennale de Venise, qui présente HØPE, nouvelle œuvre inspirée d’une danse pratiquée dans la culture cowboy.

Il serait une fois en Seine-Saint-Denis, une grosse communauté résistant aux violences d’un monde qui se termine. Rébecca Chaillon rassemble sur scène un clan d’interprètes qui, en alliant leurs forces à des techniques de survie venues de la marge et leurs croyances synthétiques, créent de nouvelles mythologies à leurs images : étranges, plurielles, dangereuses.

Vaste dispositif de cinquante pianos droits décrivant un grand cercle, outre un ensemble de vingt-cinq musicien·nes qui leur sont adossé·es, et avec le public, au centre, 11 000 Saiten (11 000 Cordes) est une fresque fascinante. Georg Friedrich Haas nous invite à nous laisser saisir, envelopper, par une palette presque infinie, tel un miroir sonore de l’univers entier.

Le metteur en scène Jonathan Capdevielle adapte Dialogue en public de Pier Paolo Pasolini, dans le cadre singulier des Talents Adami Théâtre. En réunissant huit jeunes interprètes dans un temps de création condensé, il imagine une forme hybride pour donner corps à ce qui fait société en des temps troublés.

Comment faire surgir des mémoires enfouies dans les corps d’aujourd’hui ? Avec Flaming Creatures, Latifa Laâbissi et Walid Ben Selim explorent un territoire intime commun, entre danse et musique, où des chants venus du Maroc traversent le présent et réactivent des imaginaires puissants et indociles.

Peu après que le gouvernement sud-africain eut accusé le gouvernement israélien de commettre un génocide à Gaza (29 décembre 2023), l’équipe de Forensic Architecture a été mandaté pour rassembler des preuves à l’appui de cette requête. Cette mission a donné lieu à une étroite collaboration avec le docteur Ghassan Abu Sittah, un chirurgien plasticien anglo-palestinien possédant une vaste expérience dans les zones de conflit – en Irak, au Liban, en Syrie et au Yémen – et qui a souvent exercé à Gaza. Ghassan Abu Sittah est arrivé à Gaza le 8 octobre 2023 et a commencé à soigner les blessés dans plusieurs hôpitaux. Il s’est retrouvé sous les feux de l’actualité en tenant une conférence de presse, entouré d’autres médecins, après le bombardement de l’hôpital Al-Ahli Arab (également connu sous le nom d’hôpital baptiste) qui a causé la mort de près de 500 Palestiniens le 17 octobre 2023. Depuis qu’il a quitté Gaza, Ghassan Abu Sittah mène campagne pour mettre fin au génocide et mobilise le soutien en faveur des victimes à Gaza.

Cinq œuvres, acquises à l’histoire ou récentes, pour entrer dans le son et des textures illusoirement immobiles et continues, et pour ressentir intimement les riches vibrations et fissions sous la surface monochrome. Dans l’église Saint-Eustache, orgue, ensemble et électronique donnent vie à des maillages, des dissolutions et des mouvements secrets.

Comment penser la création depuis nos affects ? Depuis 2020, Fanny de Chaillé et ses interprètes prennent le virage d’un langage sensible, qui ne craint ni l’amour, ni la peur, ni les larmes, et où la musique devient un espace d’écoute et de résonance, réaffirmant sa place essentielle dans l’écriture théâtrale.

Avec The Sea is History, Betty Tchomanga poursuit son travail autour des mémoires de la diaspora africaine. Après des siècles de violence, comment écrire sa propre histoire ? Après une telle dépossession, comment retrouver corps ?

L’artiste pluridisciplinaire, plasticien et photographe mondialement reconnu, Hiroshi Sugimoto poursuit son travail sur les grandes traditions japonaises en revenant au théâtre Nō. Noh Climax, qui se concentre sur les points culminants de six pièces du répertoire, promet de bouleverser nos repères spatio-temporels.

Comment mettre en mouvement les corps d’une centaine de jeunes danseurs et danseuses ? Pour relever le défi de cette transmission hors-norme, Boris Charmatz chorégraphie une nuée physique et vocale traversant des moments saillants de son œuvre.

Mise en musique par le trio australien The Necks, FOOD COURT précipite une femme dans l’horreur banale d’une humiliation au cœur de l’espace public. Portée par trois comédiennes en situation de handicap mental, la pièce en devient une expérience intense et déroutante.

Après leur performance à la Gaîté Lyrique, Lolo & Sosaku occupent Les Chaudronneries, un édifice industriel investi en 2024 pour l’ouverture du Festival d’Automne. Transcendant leur état, les matériaux de l’installation dévoilent le lieu et l’habitent d’une présence.

Sphere / Kurah est un triptyque spatial dans lequel corps, voix et gestes s’interpénètrent. Les images s’y détachent du corps pour devenir traces, lumières, scintillements. Dans ce passage de la présence vers la fragilité, l’œuvre s’attache aux conditions de la survivance.

À la fois thriller urbain, satire sociale et méditation voyeuriste, small metal objects plonge ses interprètes dans le mouvement perpétuel qui anime un espace public. Au cœur de la foule, la pièce capte toute l’intensité d’un drame personnel.

La compagnie espagnole El Conde de Torrefiel investit la bibliothèque du 7L, ancien studio photo de Karl Lagerfeld, pour y présenter une création in situ : la mise en espace d’un matériau textuel, visuel et sonore conçu comme une étude scénique pour une pièce à venir.

Dans GLA55, Anne Teresa De Keersmaeker revient à la musique minimaliste étasunienne et aborde pour la première fois l’œuvre de Philip Glass. Sur quatre pièces de jeunesse du compositeur, interprétées en direct par l’ensemble ICTUS, six danseur·euses emmènent l’abstraction jusqu’aux confins de la transe.

Concilier deux univers des plus singuliers, entrer dans les vibrations hypnotiques du son, se laisser absorber, corps et esprit, par sa prégnance, découvrir tout autrement des instruments séculaires que l’on croyait connaître et les écouter chanter, par le souffle ou sous l’effet du mouvement circulaire d’une baguette, tels sont les enjeux de ce concert.

La chanson, le chant, qu’ils soient populaires, dans l’un des derniers quatuors à cordes de Beethoven ou en provenance de Galice, irriguent les trois moments de ce programme. Un chant qui n’appartient pas seulement à la voix, mais auquel réagissent aussi les instruments, de même que les œuvres entre elles, pour magnifier une mémoire collective.

Au XIX^e siècle, un mystérieux manuscrit est retrouvé dans la campagne anglaise. Journal intime entremêlé de poèmes, il est tout ce qui reste d’Ester, disparue d’avoir tant aimé. Créée dans l’ombre de ce récit, El corazón de Ester (Le cœur d’Ester) est la confession d’un amour et de l’épuisement qu’il engendre.

L’évidence, la joie simple, la transmission orale, le temps en suspens de la berceuse ou d’une surface lacustre, l’épure, comme pour atteindre une origine voilée ou incertaine, et l’amitié fertile avec le Quatuor Bozzini, interprète privilégié de Cassandra Miller, de Sarah Davachi et d’Éliane Radigue, récemment disparue, unissent les trois œuvres, sereines, de ce concert.

Une mère et un fils. L’une a effectué, tout au long de sa vie, un enchaînement de métiers de subsistance. L’autre se consacre au théâtre. Ensemble, ils font de la scène un outil pour déplier leurs existences prises au croisement des violences héritées du capitalisme.

Le PDG d’un grand groupe pétrochimique vit avec sa fille, Ami, dans son bunker de luxe. Doté d’implants neuronaux, il dirige son empire, tandis qu’Ami s’est arrêtée de parler depuis quelques jours. Bunker retrouve ce qui est à la source du poème : la rencontre de la parole et du silence.

Quels ponts peut-on jeter entre Harare, Dakar et Paris ? Quels dialogues et échanges imaginer entre ces trois villes, leur histoire et leur présent ? C’est à la lumière de ces questions que nora chipaumire a imaginé la Carte Blanche—rebaptisée carte noire—que lui a proposé le Festival d’Automne. La chorégraphe et danseuse basée pendant un temps à New York, entretient des liens singuliers avec chacune de ces métropoles : au Zimbabwe, où elle est née et a fondé nhereraHUB, lieu de travail et de réflexion ouvert aux compagnonnages ; au Sénégal, où elle a longtemps travaillé notamment avec les femmes du village de Toubab Dialaw ; et à Paris où plusieurs de ses œuvres ont été présentées, dont l’image lui inspire un goût pour la conversation, au sens le plus plein du terme. 

En clôture de sa Carte Blanche et de l’édition 2026, nora chipaumire investit la Fondation Cartier pour l’art contemporain et présente gadzi—a Paris chapter, une ultime création pour prendre la lenteur nécessaire où l’œuvre ne s’installe pas dans un lieu, mais le traverse et le reconfigure.

L’architecte et plasticien Feda Wardak plonge dans l’épaisseur des luttes afghanes avec une installation spectaculaire, investie par les danseur·euses du chorégraphe Saïdo Lehlouh.

Cher·es spectateur·rices,

Je m’appelle Jérôme Bel, je suis un artiste qui a opéré dans le champ chorégraphique entre les années 1994 et 2026. Ayant bénéficié de l’argent public pour mon travail, j’ai estimé qu’il serait juste de rendre, à tou·tes mes concitoyen·nes et au-delà, quelques-uns des spectacles créés dans une liberté artistique totale.

J’ai ainsi imaginé une dernière œuvre intitulée Jérôme Bel 1994-2026. Elle a été réalisée avec le Centre national de la danse et le Centre Pompidou, et fait désormais partie de leurs collections permanentes.