Après Reconstitution : Le Procès de Bobigny et Rituel 4 : Le Grand Débat, Émilie Rousset poursuit son exploration de nos archives contemporaines à partir de rencontres avec des avocates et des justiciables en Europe.

Au T2G, l’installation vidéo The Tempest Society (2017), produite à Athènes, berceau du théâtre et de la démocratie, réactive les stratégies scéniques d’Al Assifa au regard des crises successives traversées par la Grèce contemporaine. En explorant les définitions de la citoyenneté et les potentiels du théâtre, l’œuvre imagine les contours d’une communauté à venir où la circulation de la parole et la conscience historique font lien.

La rencontre entre la comédienne Valérie Dréville et Nacera Belaza a été une évidence. Depuis longtemps, la chorégraphe explorait cette zone trouble où se situe le « point de jonction » entre la parole et le langage qui anime le corps. Valérie Dréville s’est révélée être une partenaire tout aussi habitée par l’imaginaire et une forte intériorité.

Après le succès retentissant de One Song présenté au Festival en 2023, l’artiste protéiforme Miet Warlop revient avec INHALE DELIRIUM EXHALE, un nouveau tour de force d’une puissance fracassante. Dans un espace vide, une vague se dresse et se brise, transformant une idée simple en une expérience hors du commun. 

C’est un lieu, c’est un rapport, c’est un tumulte : en arpentant le parterre, l’espace des passions et des poussées, des contraintes et des libertés, Volmir Cordeiro poursuit son investigation des espaces alternatifs et des liens sociaux. Accompagné de quatre danseurs et danseuses turbulents, il puise dans la joie carnavalesque une énergie subversive.

Le plateau de Berthier se transforme en espace d’exposition pour accueillir les installations vidéos de la plasticienne Bouchra Khalili consacrées aux troupes de théâtre Al Assifa (La Tempête) et Al Halaka (Le Cercle), créées à Paris et Aix-en-Provence, par des membres fondateurs du Mouvement des travailleurs arabes (MTA, 1973-1977), organisation pionnière des luttes contre le racisme et pour l’égalité des droits. Ces projets concluent une série d’œuvres, initiée avec The Tempest Society (2017), toutes présentées au T2G.

La chorégraphe Dorothée Munyaneza imagine Version(s), une rencontre entre hommes, où le poète et boxeur Christian Nka – accompagné du musicien Ben LaMar Gay – interroge son parcours et son rapport ambivalent à la violence. En conjuguant danse, texte et musique live, elle construit un espace hybride, à la fois portrait et célébration.

Chorégraphe majeure de la scène contemporaine internationale, marquant les plus grands plateaux par son écriture dentelée et puissante, Tânia Carvalho s’empare d’un hommage à Pierre Boulez pour inventer une déambulation spectaculaire à triple entrée : dansée, musicale et muséale. Coopération inédite entre la Biennale de Lyon et le Festival d’Automne, ce projet tisse un dialogue vibrant entre les arts et les villes.

Trente ans après sa première invitation au Festival d’Automne, Christoph Marthaler emmène six interprètes de nationalités différentes dans une rencontre au sommet. Entre humour, musique et détournements, il compose un théâtre où les humains chantent, se perdent et trouvent parfois ce qu’ils ne cherchaient pas.

« Faites-moi des vagues », demanda Éliane Radigue à chacun des musiciens d’Occam Océan I. Cette œuvre fluide, dont chaque son est subtilement maîtrisé, exerce une prégnante fascination sur ceux qui l’écoutent. En regard, François J. Bonnet embrasse avec Orbes une voûte céleste où, sous l’effet de la gravitation, les astres s’attirent les uns les autres.

Dans Bruits Marrons, Calixto Neto entre en dialogue avec Julius Eastman et traduit par le corps l’un des tubes du musicien afro-américain : Evil Ni**er. Accompagné de six interprètes, le chorégraphe brésilien actualise cette œuvre percussive et radicale, largement en avance sur son temps.

Paris est-elle une ville hospitalière ? C’est la question que se posent ensemble la Cité internationale des arts et les Scénos Urbaines en accueillant en résidence des artistes et en co-construisant une exposition. Elle interroge, via des gestes pluridisciplinaires et spéculatifs, le devenir de la ville et la place des artistes au sein de celle-ci, autour de ce lieu de résidence situé au centre de Paris et au cœur des enjeux urbains contemporains. 

Figure centrale de la scène artistique congolaise, Faustin Linyekula s’associe au compositeur et cinéaste Franck Moka pour continuer de créer dans un pays en proie au chaos. Sollicitant la musique live et le cinéma, Profanations est un spectacle d’urgence. Il oppose la poésie à la destruction, une énergie vitale aux puissances de la mort.

Avec une émotion assumée, DameChevaliers plonge dans La pensée straight de Monique Wittig, la voix et le son rivés sur l’avenir. À géométrie variable, le collectif œuvre à soutenir les militantes et militants, et à explorer l’émotion née de l’action politique collective.

Figure majeure de la scène thaïlandaise, le metteur en scène Wichaya Artamat revient cette année avec The Dead Still Riot, une création sonore inédite entrelaçant récits d’insurrection et de violence à travers les époques. Six histoires de fantômes pour une traversée politique entre France et Thaïlande.

Née de la collaboration entre le chorégraphe Noé Soulier et l’artiste Tarek Atoui, la performance Organon propose une reconfiguration audacieuse de la relation entre corps performatifs, espace et sons.

Avec un style abrupt et une esthétique proche de la performance autofictionnelle, Laurène Marx expose la réalité des transitions de genre en France. Seule en scène, elle interprète son propre texte, mêlant théâtre et stand-up triste pour dénoncer la violence et les discriminations vécues par les personnes trans.

Comment rendre visible une affaire soldée par un non-lieu ? Dix ans après la mort de Rémi Fraisse lors d’un rassemblement contre le barrage de Sivens, le metteur en scène Olivier Coulon-Jablonka et la cinéaste Sima Khatami font du théâtre le lieu d’un questionnement démocratique. 

Comment trouver sa place dans un monde inondé d’informations et de bribes numériques qui disparaissent en un claquement de doigts ? Entre performance, stand-up, dialogue entre technologie et réflexion existentielle, Vimala Pons questionne à nouveau le monde contemporain dans un ballet sensible et facétieux, sur la musique de Rebeka Warrior et de Tsirihaka Harrivel. 

Après Atlas / the Mountain présenté en 2024, Radouan Mriziga poursuit son cycle dédié à la montagne, au désert et à la mer. Dans un monde régi par l’ambition humaine et la technologie, ces espaces sauvages échappent à toute domestication. Magec / the Desert repense notre relation à la nature et révèle la sagesse des étendues arides.

L’ensemble Nikel, mêlant instruments traditionnels et actuels, et Noa Frenkel, artiste polyvalente dont la voix s’illustre aussi bien dans le répertoire de la Renaissance que dans celui de la création contemporaine, donnent à entendre plusieurs types de corps. Le fantasque côtoie le fluide ou l’organique, sollicitant nos sens. Car l’œil, la peau et le palais écoutent autant que l’oreille.

Un mystérieux motard casqué et une créature baroque se font face dans un parking souterrain. Avec Radio Vinci Park (Reloaded), François Chaignaud et Théo Mercier ont conçu une version élargie de leur performance allégorique, où la chair et le métal s’attirent, se repoussent – leur étreinte rythmée par des mélodies jouées au clavecin.

Forts d’une longue tradition de conférences, de débats et dialogues d’idées, le Centre Pompidou et le Festival d’Automne imagine un nouveau format : une École du soir populaire, ouverte sur les imaginaires, les œuvres et les questionnements de l’édition 2025. Pour penser la communauté, Felwine Sarr propose de réfléchir en premier lieu à une cosmopolitique de l’hospitalité, en conversation avec la philosophe américaine Judith Butler.

L’artiste Fanny de Chaillé fait de la scène un lieu où les idées circulent, où le corps fabrique la pensée. Ici, c’est le théâtre qu’elle décortique et son histoire, grâce à de jeunes acteurs. Elle interroge ainsi la puissance du jeu, son ancrage dans l’ici et le maintenant du plateau.

Tourné cet été au Maroc, présenté pour la première fois à l’occasion du Festival d’Automne 2025, L’Écrivain public est le deuxième volet d’une trilogie en cours. Après The Public Storyteller (2024) et avant The Public Reader, œuvre en cours de développement, cette nouvelle installation vidéo suit le jeune disciple d’un écrivain public qui rédige et envoie des messages à des fantômes et pour des fantômes. À moins qu’il ne soit lui-même le fantôme d’un fantôme ? Comme celui de la conteuse et poétesse amazighe Mririda n’Aït Attik, active dans la première moitié du XX^e siècle dans le Haut-Atlas. Celle-ci hante le film de bout en bout.

Maria Hassabi est seule sur scène, toute proche du bord, dans cet espace du théâtre qui condense l’attention sur les corps. Avec une lenteur presque immobile, en incarnant successivement des images parfois iconiques, parfois plus diffuses, l’artiste se présente à vue, dans toute sa force et sa vulnérabilité.

On dit que Girinshuti erre sous l’emprise d’une étrange maladie mentale, confronté à des vaches, figures centrales du paysage rwandais. Cedric Mizero déploie une installation performative où se tissent récit fictionnel et réminiscences de l’enfance.

À l’utopie d’une continuité entre les arts dits populaires et ceux dits savants, telles que l’exprimaient les Folk Songs de Luciano Berio, quatre compositrices répondent soixante ans après, privilégiant le son impur, la pulsion à vif ou la sensation d’un tremblement.

Forts d’une longue tradition de conférences, de débats et dialogues d’idées, le Centre Pompidou et le Festival d’Automne imagine un nouveau format : une École du soir populaire, ouverte sur les imaginaires, les œuvres et les questionnements de l’édition 2025. Précédée par le spectacle Hewa Rwanda, Lettre aux absents de Dorcy Rugamba, cette deuxième rencontre proposera de penser une communauté des morts et des vivants.

Pascal Rambert, auteur et metteur en scène majeur de sa génération, s’entoure de fidèles compagnons de route pour porter à la scène une fresque ambitieuse sur le temps qui passe et les liens familiaux. Conçue comme une trilogie sur cinq ans, elle explore les traces laissées par nos engagements et nos ruptures.

Nina Laisné et François Chaignaud nous convient à un voyage au cœur de l’art du « romance », en compagnie d’un Orlando aux multiples visages. Partant de cette matière musicale et des récits qui la traversent, ils ont façonné une œuvre qui entremêle les époques et les danses : une lanterne magique où défilent les figures androgynes de San Miguel ou de la Doncella Guerrera.

La dernière création de la compagnie catalane El Conde de Torrefiel nous invite à fermer les yeux pour mieux les rouvrir. Elle révèle un espace où se rencontrent l’imaginaire du spectateur et la virtuosité de ce duo de créateurs hors norme.

Dans Beautiful Trouble, créé pour et avec le JACK Quartet, Natacha Diels rend l’œuvre et la vie indistinctes, électrise la saturation de notre époque et s’amuse de l’hypnose des images, partout présentes. Entre performance et installation, cet opéra de chambre, vu et entendu, impliquant textes, gestes, électronique et vidéo, sonde nos émotions les plus vives.

Après le retentissant Yoroboshi : The Weakling présenté au Festival en 2024, la dramaturge et metteuse en scène Satoko Ichihara sonde avec audace et subtilité les tabous et contradictions sexuelles de la société japonaise. Dans sa nouvelle création, KITTY, elle imagine une société peuplée de chats blancs, un univers parallèle effroyablement proche du nôtre.

Pensée dans les années 1930 par Le Corbusier, une Cité Radieuse d’Alger – baptisée Obus – devait s’articuler autour d’un immeuble de dix-huit kilomètres. Quatre-vingt-dix ans plus tard, le projet ne verra jamais le jour, mais c’est dans cette ville dystopique, superposée au réel, que Sonia Chiambretto et Hubert Colas situent Superstructure.

Avec cet opus de saison au titre songeur – à l’ombre d’un vaste détail, hors tempête – Christian Rizzo déploie une fois de plus les sortilèges d’une danse organique. S’invente au plateau une cartographie faite de fragments chorégraphiques, de détails. Réunissant compagnons de route et nouveaux venus, le chorégraphe rend visible l’invisible.

Philippe Quesne prolonge ses rêveries sur la place de l’art dans notre vie quotidienne avec une création pour quatre interprètes et des invités, où inventions plastiques et musicales répondent aux circonvolutions de poèmes originaux de Laura Vazquez.

Nadia Beugré entame un voyage solitaire vers Yikakou, village disparu de son enfance en Côte d’Ivoire, dont les terres dites maudites sont englouties par la forêt. Dix ans après Quartiers libres – son premier solo présenté au Festival d’Automne –, elle mêle mémoire collective et souvenirs intimes dans cette nouvelle création.

Mirlitons, c’est la rencontre de deux voix, de deux corps : entre le chorégraphe François Chaignaud et le beatboxer Aymeric Hainaux, une alchimie physique et musicale où le son, la voix et le rythme se conjuguent pour former une intensité performative inclassable. 

Tourbillon sensoriel, la dernière création de l’étatsunienne Faye Driscoll a de quoi donner le vertige. Weathering chorégraphie nos liens de réciprocité et scelle un destin nécessairement commun.

Au coin d’une rue, quand une vie bascule et le ciel perd ses moyens : le solo fondateur de Robyn Orlin, créé à New York dans une boîte en carton, est aujourd’hui repris par un interprète dont le parcours vient nourrir une nouvelle lecture de l’œuvre. Après une reprise avec Nadia Beugré en 2022 au Festival d’Automne puis en 2024 pour Marta Izquierdo Munoz à La Place de la Danse, Robyn Orlin en confie en 2025 l’interprétation à Volmir Cordeiro.

Lorraine de Sagazan confronte l’inusable sujet de l’amour à l’époque. Aime-t-on aujourd’hui comme on aimait il y a vingt ans ? Et il y a cent ans ? Que savons-nous de la jeunesse ? Et que peut le théâtre face aux douleurs des relations ?

Il est question d’utopie de corps dans la performance The present is not enough mise en scène par Silvia Calderoni et Ilenia Caleo. Ce sont des corps allongés, sinueux, tordus, qui draguent et se font draguer, explorant des formes d’intimité hors contrôle et ouvrant une brèche sur de nouvelles modalités de relations.

One’s own room inside Kabul est une œuvre sonore et visuelle de Caroline Gillet et Kubra Khademi, offrant une immersion sensorielle dans un salon afghan. Le public suit les pensées de Raha, une jeune femme coupée du monde après la prise de pouvoir des talibans.

Hacer noche, c’est traverser la nuit – celle dans un parking, celle imposée par l’exclusion. À partir du Voyage au bout de la nuit de Louis-Ferdinand Céline, Bárbara Bañuelos compose un duo sensible où l’intime touche au collectif. Une réflexion scénique, pour faire entendre ce qui reste souvent dans l’ombre.

En fuite vers son pays, où l’attendent son père et sa fiancée, une soldate croise la diable. Gaëlle Bourges recontextualise le drame de Stravinsky et Ramuz en un solo avec deux poupées, sur une bande originale électro-disco. Avec tact, La petite soldate interroge tous les âges sur la place de l’art dans nos vies, ainsi que l’impact de la guerre, le rapport à l’éthique et au bonheur.

We Came to Dance interroge la place de l’art face à la censure. Conçue par l’autrice Nasim Ahmadpour et le metteur en scène Ali Asghar Dashti, cette performance invite le public à imaginer une danse interdite, entre mémoire, résistance et poésie.

Après s’être attaquée aux violences sexuelles et sexistes, Carolina Bianchi investit dans The Brotherhood la question des boys clubs dans le monde de l’art et du théâtre. Comment cette solidarité masculine protège les agresseurs ? Quelle est l’influence de ces structures de pouvoir sur la création artistique ? 

En résidence à New York, Alice Diop découvre le poème en prose de Robin Coste Lewis puis s’en empare en 2023 lors de sa Carte Blanche au Festival d’Automne. Foudroyée par le texte, elle choisit de le mettre en scène. La narratrice y dessine une épopée dans l’histoire de l’art à la recherche des corps de femmes Noires ignorés ou chosifiés.

Poursuivant le tournant écologique donné à son écriture depuis 2022, après s’être immergée dans les forêts avec Αγρίμι (Fauve), la chorégraphe Lenio Kaklea lève les yeux au ciel. Mais Les oiseaux n’idéalise nullement ces êtres aériens. Plutôt, le septet accompagné d’un volatile non-­vivant, décentre notre regard bien trop humain.

Lorsque le danseur japonais de butō Akaji Maro, maître de l’étrange et de l’absurde, rencontre François Chaignaud, chanteur et chorégraphe protéiforme, leur duo aux frontières des genres se mue en rituel païen : célébration des corps dans tous leurs états. Portrait croisé de deux figures inclassables, GOLD SHOWER transcende les différences où la beauté du trouble est au centre du jeu.

Dans notre modernité si constamment sous les lumières, nous avons perdu le sens de l’obscurité et de la ténèbre. De ce constat naît In iij Noct. de Georg Friedrich Haas, un quatuor à cordes qui se joue dans le noir absolu. Notre expérience du temps, les rythmes de notre corps, la relation à l’autre et l’écoute, enveloppante, s’en trouvent bouleversés.

Avec Pétrole, Sylvain Creuzevault s’attaque à l’un des projets les plus ambitieux de Pasolini. Un texte à l’image de son théâtre – fragmentaire et torrentiel, burlesque et glaçant – à travers lequel il poursuit son exploration des fondations de notre société.

Le titre de la pièce de Rachid Ouramdane, transporte, dans la brièveté de son infinitif, une part de l’épure qui guide ce projet : une scène blanche, des ombres portées, et deux danseuses, Lora Juodkaite et Annie Hanauer, qui vont opérer une torsion aussi bien physique que perceptive de leur image – dévier simultanément le cours du mouvement et du regard porté sur lui.

Sur les rives du quai Branly, où l’art porte la mémoire des peuples, le collectif Mapa Teatro présente une performance en collaboration avec la communauté Nukak, de l’Amazonie colombienne. À travers un dialogue entre archives, récits et installation visuelle, ils donnent voix à la résistance et à la mémoire du dernier peuple nomade colombien.

Unir textes, musiques ou sons qui, de prime abord, paraissent sans rapport et reflètent les visages de l’histoire ou du monde actuel : quel héritage la Sinfonia de Luciano Berio, œuvre virtuose parmi les plus reconnues des années 1960, nous laisse-t-elle ? Et quelles résonances peut en déduire aujourd’hui la compositrice islandaise Bára Gísladóttir ?

Après Romances inciertos, un autre Orlando, Nina Laisné et François Chaignaud prolongent leur utopie de fusion entre danse et musique à partir de répertoires sud-américains. En compagnie de la chanteuse argentine Nadia Larcher, ils composent un univers cosmogonique, où les voix entrent en résonance avec le souffle des sacqueboutes et les rythmes du zapateo.

Dans le vaste cycle Licht (Lumière), auquel Karlheinz Stockhausen consacra vingt-cinq années de sa vie, Lundi est le jour d’Ève. Somptueuse et poétique « cérémonie musicale de vénération de la mère », l’œuvre célèbre la fertilité, l’engendrement et la perpétuelle renaissance de l’humanité, l’enfant et, à travers lui, la beauté renouvelée de l’univers.

La rencontre de Marlene Monteiro Freitas et d’Israel Galvan est une évidence quoique tardive. Entre la chorégraphe cap-verdienne et le bailaor sévillan, un fil invisible semble courir, les réunissant le temps d’un projet inédit. Face à face, ils élaborent une communication nouvelle et immédiate : un moment de joie pure et d’humour, une conversation animée sur la base unique du langage corporel.

La gran mentira de la muerte (Le grand mensonge de la mort) est une installation sonore et cinématographique qui explore la figure de Carmen, en le croisant avec les univers performatifs du flamenco et de la tauromachie. À l’instar de l’opéra de Bizet, ces pratiques évoquent la mort et impliquent le public, mettant en tension la ritualité et les traditions violentes du cinéma.

Concert pour six corps ? Danse pour six voix ? La dernière création d’Alma Söderberg prolonge ses recherches sur l’imbrication des motifs rythmiques avec l’invention de gestes et de mélodies vocales. Sur scène, six interprètes composent, chantent, se déplacent – comme autant de fréquences oscillant dans l’espace, vibrant ensemble en quête d’harmonie.

L’auteur, compositeur et metteur en scène Joris Lacoste crée un spectacle pop-liturgique dans lequel il dessine les contours d’un culte nouveau : neuf officiants et officiantes chantent, dansent et prennent la parole, dans un rituel inédit qui offre la trame d’un très singulier spectacle.

Quelles sont les nouvelles politiques de l’amour ? Quelle part de transgression et de politique engage l’acte amoureux ? Après Absalon, Absalon!, Séverine Chavrier s’intéresse à l’intime et au désir féminin dans Occupations.

Dans un contexte de crise du commun où les expériences physiques et poétiques collectives se raréfient, Ivana Müller invite à retrouver le goût du faire ensemble, à construire un lieu de soin, d’attention et de relation.

Artiste sonore et visuel mondialement reconnu, Ryoji Ikeda mêle performances, installations vidéo et musiques électroniques. Depuis les années 2000, il compose aussi pour des instruments acoustiques. Ce premier concert présente deux œuvres, chacune faite de plusieurs pièces, pour découvrir son univers quand celui-ci délaisse l’électricité.

Ce second concert consacré à l’œuvre acoustique de Ryoji Ikeda, virtuose du numérique, invite à trois expériences d’écoute singulières. S’y succèdent dix percussionnistes aux mouvements presque chorégraphiques entre un instrument démultiplié, un chœur entonnant une première pièce vocale et, pour une création, l’orgue de la Philharmonie de Paris.

Pour la quatrième création de la collection de performances contemporaines du Musée du Louvre et du Festival d’Automne, Nacera Belaza présente Les Ombres. Elle investira la Galerie des Cinq Continents à l'occasion de sa réouverture, dans une présentation repensée des collections, en dialogue avec les œuvres du musée du quai Branly-Jacques Chirac.

Dans une performance aux frontières du rituel, la metteuse en scène et chercheuse brésilienne Gabriela Carneiro da Cunha travaille avec les processus chimiques de la photographie pour révéler la contamination au mercure du fleuve Tapajós. 

Nés de familles aux attentes fortes et aux traditions bien ancrées, Israel Galván et Mohamed El Khatib ont dû ruser avec leur héritage pour se frayer un chemin vers l’art. Faisant de leurs corps des archives vivantes, le duo d’artistes travaille ensemble à créer une « danse documentaire » qui mêle l’intime et le politique à l’ombre des figures paternelles.

Interpréter l’intégralité de l’œuvre musicale de Hildegard von Bingen : tel est le pari fou relevé par Marie-Pierre Brébant et François Chaignaud. Telles deux figures issues d’un autre temps, ils nous invitent à une plongée vocale autant que physique. Au sein de ce corpus, chaque note, chaque mouvement ouvre l’accès à des mondes perceptifs nouveaux.

Comment travailler la violence ? Comment la mettre en perspective, en scène et en récit ? Comment la mettre en pièces ? Durant ces deux journées de rencontres, proposées par la philosophe Elsa Dorlin, il s’agit de mettre à jour ce que nous apprennent les critiques de la violence et de faire l’inventaire des armes amassées.

Au coucher du soleil sur la plage de Gulpiyuri, après qu’un couple d’hommes se soit violemment disputé, un fantôme nommé Analphabet apparaît au-dessus de la mer. Dans une prose envoûtante, il soigne les relations toxiques et illumine les lieux de cruising. 

À l’occasion de L’École du soir — nouveau cycle de pensée imaginé par le Festival d’Automne et le Centre Pompidou, en complicité avec Felwine Sarr — une série de rencontres et d’ateliers se déploie autour de la question « Une vie commune ». Le troisième Atelier du sensible se consacrera à la performeuse et cinéaste Gabriela Carneiro da Cunha.

Comment proposer une réinterprétation contemporaine du mythe de Carmen, que l'opéra de Georges Bizet a rendu célèbre dans le monde entier, alors même que le personnage principal pose une question fondamentale de notre époque : comment l'identité se construit-elle ?
 

Forts d’une longue tradition de conférences, de débats et dialogues d’idées, le Centre Pompidou et le Festival d’Automne imagine un nouveau format : une École du soir populaire, ouverte sur les imaginaires, les œuvres et les questionnements de l’édition 2025. Aux côtés du réalisateur franco-sénégalais Alain Gomis, du plasticien, photographe et cinéaste congolais Sammy Baloji et de la philosophe Nadia Yala Kisukidi, Felwine Sarr invite à réfléchir, pour cette troisième rencontre, à comment résister à la normalisation de la violence et de la destruction physique, symbolique, économique.

Deux ans après le Focus que leur consacrait le Festival d’Automne, Susanne Kennedy et Markus Selg inventent un monde ouvert peuplé d’avatars – aux visages identiques et aux voix préenregistrées – où se jouent et se rejouent inlassablement les mêmes souvenirs traumatiques.

Alliant musique et performance, la compagnie Fanny & Alexander aborde la voix humaine dans Nina à travers la technique de l’hétérodirection. La soprane Claron McFadden incarne la figure mythique de Nina Simone, transmettant ainsi l’énergie singulière de celle qui voulait être « la première pianiste noire. »

Aspirés sous vide dans des sacs en latex noir empruntés à l’imaginaire SM – les corps des sylphides évoquent tour à tour des gisants de pierre, des cocons de matière obscure ou des sacs mortuaires. La pièce déploie une énigme perceptive – glissant savamment de la statuaire antique au Body Art. Ce Portrait redonne vie à Sylphides, première pièce mythique cosignée par Cecilia Bengolea et François Chaignaud en 2009, ici déployée dans une version chorale et immersive.

Dans sa nouvelle création, Joël Pommerat se plonge au cœur des mystères de l’enfance. À la manière d’un conte, il imagine la rencontre de deux jeunes filles prêtes à braver les lois du monde réel et l’autorité des adultes. Entre fantastique et réalité, elles luttent pour préserver leur lien face aux normes qui les contraignent.

Un même élan vital de danser rassemble les chorégraphes Nacera Belaza et Katerina Andreou. Elles se répondent dans un diptyque conçu pour les interprètes du Ballet de l’Opéra de Lyon, avec deux créations que réunissent de multiples résonances.

« Tumer », en ancien français, c’est danser, s’agiter, tomber à la renverse. En compagnie d’un collectif de tumerels – chantant, dansant, se transformant – Geoffroy Jourdain et François Chaignaud ont conçu une revue facétieuse, qui circule entre les époques et les genres, du chant polyphonique aux variétés pour clore le Portrait et l’édition 2025 du Festival d’Automne.